Colores que se extienden bajo la luz del sol

Colores que se extienden bajo la luz del sol

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Después de haber tenido una exitosa gira por América Latina y Estados Unidos, Bomba Estéreo se encuentra listo para regresar a los escenarios con su tercera producción discográfica,Elegancia Tropical. Desde sus inicios, las presentaciones en vivo de Simón, Liliana, Kike y Julián se han caracterizado por tener una puesta en escena bastante fuerte, combinada con visuales y grandes escenarios, que han dado paso a una nueva etapa que la banda describe como: “Un regalo que es en sí, el resultado mismo de su esfuerzo”.

“El alma y el cuerpo” es el nombre del primer sencillo que se desprende de Elegancia Tropical, y está acompañado por dos videos (acústico y versión original) que dejan ver – en definitiva- que la esencia de Bomba Estéreo es un corazón que late gracias a la música. “Llegar a otros públicos y lograr presentaciones en vivo, con un nivel sonoro y estético similares o iguales a los que realizamos en Colombia, son primordialmente algunos de los objetivos de la banda en éste nuevo disco”, dijo Simón en la entrevista para Indie Rocks!.

“Es un disco arriesgado y con un sencillo diferente como por ejemplo: “Fuego”, dijo Lil para respaldar a su compañero. Cincuenta años en guerra y una escena que se revela ante un sistema acostumbrado a reprimir a su gente, es uno de los principales estímulos de Bomba Estéreo y de toda una nueva oleada de músicos colombianos que a paso veloz se han ido abriendo las puertas del éxito. La gratitud, el orgullo, la felicidad y la gozadera son valores que se encuentran encarnados en cada uno de los integrantes de Bomba Estéreo y , seguramente, una de las principales claves por las cuales estos chicos han crecido como grupo y seres individuales.

“Música de contenido y no sólo fiesta” es como describió Simón la propuesta de éste nuevo disco y en sí, la de todos los demás álbumes de la agrupación. Bomba Estéreo no busca encasillarse dentro de un género en específico. La participación de Buraka Son Systema y del hip hopero brasileño Bnegão, demuestran que un buen trabajo en equipo da como resultado lo que el nombre del disco describe propiamente como una: Elegancia Tropical.

Una excelente producción musical y una tremenda evolución espiritual en las letras de la canciones, por parte de Lil, acompañan las enérgicas y melancólicas melodías que van dejando con ganas de más al escucha. El nuevo y altamente recomendable disco de Bomba Estéreo, Elegancia Tropical, será lazando en nuestro país por el sello Terrícolas Imbéciles, a partir del 25 de octubre (fecha aproximada). Y la gira para llevar a cabo la promoción del disco, iniciará el 27 de octubre en su natal Colombia y de ahí pa’l real. Se planea que para noviembre la banda regrese al D.F, así que no hay mejor forma de darles la bienvenida a estos colombianos, que escuchando su nuevo material para poner a temblar el piso de nuestra bella ciudad con su música. ¡Pa’ arriba Bomba Estéreo

(Source: indierocks.mx)

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Después de cuatro años de planeación e intenso trabajo que aún no culmina, el nuevo disco de Fobia se encuentra recién salidito del horno, listo para dejar a su público con un buen sabor de boca y muchas cosas que pensar.

Por Irlanda Paulina Vargas Ruelas

@D_u_m_m_y_irish

“Destruir para crear” es el concepto que en esta ocasión Fobia tomó como inspiración para ofrecer a sus viejos y lozanos seguidores una experiencia “nueva” que, para bien o para mal, nos recuerda un poco (o un mucho) el viejo sonido de la banda que en sus años mozos la hiciera tan famosa.

Con apenas poco tiempo de haber salido a la venta, el disco “Destruye Hogares” ya se encuentra en el primer lugar de ventas en iTunes, demostrando que al parecer su adquisición probablemente no terminará en una profunda decepción.

“Destruye Hogares, tiene la finalidad de inspirar a la gente y en especial a todas aquellas personas que en algún momento de su vida han trabajado sin ser reconocidas”, dijo Paco Huidrobo, líder de la agrupación.

Resurgir de las cenizas, morir para renacer, equivocarse para aprender, y olvidar para recordar; es más o menos como podemos interpretar la más reciente producción discográfica de Paco y Leonardo de Lozanne.

El arte del disco –cuyo crédito se le atribuye a Marco Colín– es un producto de calidad que nos hace recordar por qué vale tanto la pena seguir adquiriendo un disco físico y original. Historias, sueños, fantasmas y cuentos se encuentran plasmados visual y auditivamente en esta producción. Canciones como Pesadilla, Desierto, Fantasma, e Inesperado son algunas de las joyitas que se encuentran escondidas en la isla del tesoro de los Fobia.

A partir de este jueves Fobia presentará cada uno de los discos de su carrera con invitados especiales: Liquits, Hello Seahorse, Resorte y Jumbo, uno por concierto. Las citas serán en el Plaza Condesa los días 2, 9, 16, 23 y 30 de Agosto, para finalmente llegar al concierto del día 6 de septiembre, en el que se presentará de manera oficial el Destruye Hogares.

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IF LOVE HAD A SOUND WHICH WOULD BE THE BAND TO PLAY IT?

        

Amor, síndrome afrodisíaco de la vida, que permite al ser humano cometer un gran número de estupideces, para después en su defensa simplemente argumentar “Lo hice por amor”. Con el paso del tiempo, nuevas generaciones han llegado y la forma de amar para algunas personas ha cambiado bastante. Hoy en día, la propuesta de casarse a los veinte, fugarse, o vivir con la suegra y darle hartos nietos; no suena muy tentadora. En primer lugar, en la actualidad el dinero ya no rinde como antes, y en segundo, afortunadamente muchas mujeres han abierto los ojos y se han dado cuenta que las telenovelas ciertamente nublan el cerebro.

Yo no confió en la televisión, nunca lo he hecho. Desde que era pequeña este aparatejo comenzó a mentirme. Primero con unos lentes de Rayos X, que por supuesto no funcionaron, y después haciéndome creer que era posible que mi cabello se moviera enslow motion después de bañarme. Afortunadamente crecí, y muy dentro de mí guardé todas estas pequeñas advertencias y me alejé de la televisión. Sin embargo, pronto nuevas experiencias como la música y los libros comenzaron a invadir mi espacio y a iluminar mi camino.

Si el amor tuviera un sonido, ¿cuál sería? ¿quién sería la persona indicada para interpretarlo?, ¿Beethoven?, ¿Litsz?, ¿Portishead?, ¿Radiohead? Probablemente todas las opciones que mencione puedan ser válidas. Pero hace poco no se por qué, recordé el nombre de una gran artista que con su voz hace del hip hop, algo más que solo un género con rimas y doble sentido.Akua Naru ha realizado a lo largo de su carrera distintas colaboraciones, siendo una de las más destacadas aquella en la que participó con el baterista de Fela Kuti hace algún tiempo.

En su disco más reciente The Journey AflameAkua trabajó con diferentes productores y colaboradores que hicieron realidad su idea de plasmar minuciosamente los últimos cinco años de su vida. Las experiencias vividas y la gente conocida en el camino forman parte de un nuevo disco que cálidamente nos da la bienvenida para que podamos disfrutar del viaje en llamas que su autora preparó para nosotros. En general los arreglos del disco son bastante buenos, pero cuando llegamos al track número 14 en el reproductor, todo se detiene y nuestros oídos sin quererlo se agudizan.

Describir la sensación que tuve al escuchar Poetry: How Does It Feel, es algo que probablemente me tardaría mucho en explicar. Las palabras que surgen de la mente creativa de un verdadero artista y no de una simple propaganda televisiva, siempre me han conquistado más fácilmente el intelecto. Y al escuchar la forma en que Akua comienza a describir su interpretación del amor, me puse a pensar… ¿Por qué diablos la gente preferirá vivir una vida llena de mentiras y no una más profunda, espiritual e intelectual?, ¿qué es para la gente el amor?, ¿un modus vivendi?, ¿un cuento de hadas?, ¿una idea inventada y germinada con falsos criterios? Pues bien, en esta ocasión Akua Naru trajo para mí, la respuesta perfecta para algunas de mis preguntas…

(Source: indierocks.mx)

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Fluorescent

Por: Paulina Vargas // @D_u_m_m_y_irish

Cuatro años de intenso trabajo y esfuerzo han bastado para hacer que los chicos de Lady Lane, Coe   (voz y guitarra), Leches (baterista), Erik (bajo), Fredo (guitarra) y Rodrigo (teclados y sintetizadores), pudieran cumplir con los objetivos que en sus inicios se habían fijado. Las presentaciones dentro y fuera del Distrito, fueron para ellos la oportunidad perfecta, para adquirir la experiencia y confianza que más adelante en el camino necesitarían.

“Freya”, una niña proveniente del espacio, accidentalmente cayó en nuestro planeta, para finalmente dar luz e inspiración, a lo que fue el primer disco de Los Lady’s,Singula: “Singula fue la esencia de los primeros años que vivimos, cada presentación en vivo y cada idea plasmada en el estudio, fue un avance”, nos dijo Leches en la entrevista para El Fanzine.

Galácticas canciones, se mantuvieron como las favoritas de sus nuevas seguidoras, en aquel entonces. Sin embargo, en el panorama de la banda, estaba claro, que debían continuar creciendo. Rodrigo se unió a la banda y preguntas como: ¿Qué le sucedió a la pequeña niña galáctica? y ¿cuál será su suerte en un futuro? son algo que ni sus creadores han discutido hasta el momento: “ El reto más importante, es el de exigirnos a nosotros mismos una mejor producción musical. Dejar atrás Singula y pensar en GIGANTE, es lo que nos preocupa por ahora”, cuentan los chicos.

Con el disco “Ciudad Diamante” la banda adquirió nuevas responsabilidades y nuevos fans, trabajaron con un productor externo (Christian Jean) y canciones como: “Polen”, “Libélulas”, “Esencial” e “Imaginantes”, hacen que ésta producción, tenga un cierto sonido adictivo, que incita a la gente a escuchar de nuevo las rolas, para quizá, tal vez, en ésta ocasión, prestar un poco más de atención a los pequeños detalles de la música. Los paisajes comienzan a surgir de manera inevitable en la imaginación y es justo ése, el momento preciso en dónde te enamoras de la banda.

Las letras de Coe hacen eco con las grandes estructuras de diamante, la música inunda con su entrada la ciudad entera y a sus habitantes. Una sociedad que es gobernada injustamente, intenta decirnos algo. El Rock Alternativo Progresivo, es como podríamos encuadrar a Lady Lane, después de escuchar con atención a Singula y a Ciudad Diamante. Los videos que han realizado, “Sincronicolor” para su disco pasado, “Libélulas” para el nuevo y próximamente de  “Imaginantes”, los pueden encontrar en su canal oficial de YouTube.

Pero con la calentura de las próximas elecciones en nuestro país, decidimos terminar nuestra entrevista de la siguiente forma…

EF: Actualmente México esta viviendo uno de los momentos históricos más importantes dentro de lo últimos 30 años, desde Miguel de la Madrid hasta Felipe Calderón, se han cometido un gran número de injusticias. Muchos jóvenes y bandas se han unido al movimiento #132. ¿Qué opinan ustedes de éste movimiento? ¿Se consideran parte de?

LL: Nos consideramos amantes de la paz y la verdad, con o sin movimientos sociales, si en los medios podemos ver transparencia y justicia estaremos integrados al #132, con una sonrisa en nuestros rostros. La canción de Imaginantes, habla de éstos líderes injustos, asesinos y cobardes. Cómo es que  nosotros los soñadores debemos derrocarlos. Será nuestro próximo sencillo y el video reflejará todo éste movimiento y ésta voz pacífica que grita. Para esto no sólo Lady Lane estará en éste video, también saldrán amigos nuestros muy queridos, que tocan en otras bandas y que si los invitamos es por que comparten nuestra ideología.

No se pierdan la próximas presentaciones de Lady Lane, éste 29 de Junio se estarán presentando en el Vive Cuervo junto con Insite, Finde, Allison, Bengala y Elli Noise. También lo harán en la casa del Lago de Chapultepec, en el mes de Agosto. Visiten sus redes sociales, FacebookTwitter y disfruten su música.

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With the lights on

Por: Irlanda Paulina Vargas Ruelas// @D_U_M_M_Y_Irish   Fotos: Iranyela López//@iranyela

En cámara lenta y rápida fue como pudimos observar la noche de ayer, la presentación oficial del más reciente disco de Mogwai, Hardcore will never die but you will. El Plaza Condesa hospedó de manera acogedora a sus asistentes durante un par de horas para que éstos pudieran ser testigos de uno de los mejores conciertos que en sus instalaciones se han llevado a cabo.

Después de convivir un par de minutos con algunos de sus fans detrás del escenario y de escuchar la presentación de Renoh, la banda que les abrió, Stuart, Dominic, Barry y John salieron a encontrarse con el público para hacer lo que ellos mejor saben. “White Noise”, “Raro Pano” y “Mexican Grand Prix” fueron algunas de las rolas que eligieron estos hombres para comenzar a dar un espectáculo lleno de energía.

Bonitos visuales y luces de colores adornaban el escenario de manera misteriosa, pero las diferentes personalidades de los integrantes era seguro que lo complementaban. Con una Coronita tras otra, Stuart saciaba su sed y continuaba tocando sus guitarras, la buena comunicación e integración entre los miembros de la banda si que saltaba a la vista durante el concierto.

Como en una indefensa marea tormentosa nos traía la banda, la dinámica guitarra de “How to be a werewolf”, se escuchaba inclusive mejor que en el propio disco. El sonido estaba súper bien amarrado gracias al excelente trabajo de John en la batería y a la seria personalidad de Dominic en el bajo.

La intensidad de la música subía y bajaba, las grandes distorsiones de sonido se hicieron notar, un buen trabajo en equipo por parte de Barry y Stuart jugaba con las emociones de la gente. De repente, Happy songs for happy people, uno de los mejores discos de la banda, hizo su aparición. “I Know Who You Are But What Am I” comenzó a sonar y un silencio tenso invadió la habitación.

Una gran atmosfera era como describía Stuart a su música en una nuestra entrevista y me queda muy claro que tiene el absolutamente toda la razón. La calidad del sonido era la indicada y podía notarse en la propias caras de los músicos. Resulta difícil que en algunos conciertos los pequeños detalles sonoros y las grandes explosiones suenen sin perder coherencia, pero en el caso de Mogwai esto no fue ningún inconveniente.

“2 Rights Make 1 Wrong” fue por supuesto, uno de los momentos obligados durante el concierto. La sintética voz que emanaba de la cuerdas vocales de Barry hizó de esta gran canción un momento simplemente placentero. Escuchar música y no gritos es algo que realmente se agradece. Que la gente en cierta forma sea educada y sepa cuando gritar y cuando callar es algo que es también muy bonito de la música y vaya que se disfruta.

Y aunque ahora la presentación de la banda en el Corona Capital me parece un poco menos formidable, se que las circunstancias eran diferentes. El espectáculo estuvo increíble y realmente valió la pena desvelarse un poco más aunque fuera martes. Los oídos de las personas que se encontraban a un lado de los amplificadores probablemente continúen destrozados, pero esperemos que pronto podamos dejar de escuchar ese molesto zumbido. O más bien que pronto podamos comenzar a escuchar ya con normalidad.

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Sunwook Kim en Bellas Artes

Por: Irlanda Paulina Vargas Ruelas //@D_U_M_M_Y_irish  Fotos: Cortesía FMX

La cuenta regresiva para llevar a cabo la inauguración del Festival de México en su edición número 28, ha llegado a su fin la noche de antier, en uno de los mejores y más bellos lugares dedicados al arte y la cultura ubicado en el centro histórico de la Ciudad de México, el Palacio de Bellas Artes.

La reunión para celebrar una vez más, uno de los pocos festivales que año con año, nos brinda lo mejor de sí, para traer ante nosotros importantes y maravillosos eventos culturales. Fue llevada a cabo en punto de las ocho de la noche, teniendo como figura principal e introductora al actual Jefe de Gobierno Marcelo Ebrard Casaubón en acompañamiento del Dr. Sergio Autrey.

De manera rápida y concisa, el gobernador brindo a los asistentes unas cálidas palabras de bienvenida inaugurando así de manera oficial el evento. La Orquesta Sinfónica Nacional es la agrupación de música clásica más relevante de nuestro país y a partir de 1928 ha sido dirigida por figuras legendarias como: Igor Stravinski, Pierre Monteux y en esta ocasión fue acompañada por el reconocido pianista coreano Sunwook Kim.

Bajo la dirección del Maestro Carlos Miguel Prieto, también violinista y egresado de la Universidad de Princeton y Harvard, la Obertura Egmont de Ludwig Van Beethoven, fue la encargada de preparar a los asistentes para dar la bienvenida al talentoso coreano, en esta su primer presentación en la Ciudad de México, interpretando principalmente el concierto para piano y orquesta núm. 2 en Si bemol Mayor, Op. 83 del maestro y compositor Johannes Brahms, con una duración de 44 minutos en total.

El talento de este joven y talentoso pianista ha sido reconocido desde su infancia y juventud. Desde los tres años comenzó a tocar el piano y presentó su primer concierto a los 10 años en el Kumho Prodigy Series en su ciudad natal Seúl. Ha sido acreedor a una infinita cantidad de reconocimientos, incluyendo el primer lugar de la Leeds competition en 2006.

Desde entonces, se ha presentado como concertista solista manteniendo un éxito rotundo en todas su presentaciones. Ha participado con algunas de las principales orquestas al rededor del mundo como son: La Philarmonica Orchestra (Ashkenzay), La London Philharmonic (Sinaisky), La Royal Scottish National Orchestra y muchísimas otras más.

La presentación de Sunwook Kim en el Palacio de Bellas Artes, gracias a su gran trayectoria internacional y a su participación en importantes festivales. Fue sin duda, la mejor elección para levantar el telón y dar la bienvenida a las dos semanas de entretenimiento cultural, que acontecerán en este mes de Mayo. El día 4 del presente mes, tendrán la oportunidad de ver una vez más, a éste joven y talentoso coreano, con un repertorio completamente diferente, interpretando piezas de grandes figuras como: Schubert y Beethoven, en la sala Netzahualcóyotl.

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Un verano con Mogwai.

Por: Irlanda Paulina Vargas Ruelas

 Tremenda fue mi sorpresa, cuando en octubre del año pasado, me entere que la banda escocesa Mogwai, volaría a la ciudad de México, para estar dentro del marco del festival Corona Capital 2011, en su segunda edición. Gracias a la recomendación de un amigo hace algún tiempo, y a los excelentes contactos de una de mis amigas. Pude conseguir el boleto para lo que sería uno de los mejores conciertos masivos a los que he asistido, hasta ahora.

Los ritmos, timbres, melodías y progresiones armónicas de ésta banda son un deleite y un descanso para nuestros oídos. Y aunque en la actualidad existen, grandes vocalistas, debo reconocer, que en ocasiones, por lo menos en mi caso, la música instrumental, tiene reservado, un lugar muy especial dentro de mis preferencias. Unos de los beneficios que otorga este género, es sin duda el de relajarnos y agudizar nuestros sentidos.

A lo largo de su carrera Mogwai, ha experimentado con guitarras, bajos, teclados, flautas, cellos, violas y violines. Se ha preocupado por mantener una buena calidad y desenvolvimiento en sus composiciones musicales. Y lo han demostrado en discos como el Ep+6 y el Happy songs for Happy people. Al escuchar su música, podemos darnos cuenta que la introspección, es uno de los objetivos principales de la banda al momento de componer.

El próximo 5 de Junio, los integrantes de esta agrupación escocesa, Stuart, Dominic, Martin, John y Barry. Regresarán a territorio mexicano, para llevar a cabo de manera más formal, la presentación de su último material discográfico titulado, Hardcore will never die, but you will. La cita para festejar el crecimiento, de ésta, su más reciente producción, se llevará a cabo en el foro Plaza Condesa.

Los boletos aún no salen a la venta, así que eso, les da el tiempo suficiente, para decidir si les gustaría formar parte de éste futuro concierto que seguramente valdrá mucho la pena. Para asistir a un evento lo único que se necesita son ganas de conocer. Ser unos expertos en el tema y dominar los nombres de cada una de sus canciones, no nos convierte en mejor o peores personas.

Explorar y mantener vivo el espíritu aventurero, a la larga, nos brinda cierto aprendizaje. Conocer más de cerca, esas cosas que nos intrigan. Nos hace dignos de vivir la vida. Los falsos prejuicios, el que dirán, o el no tener a una persona que nos acompañe. En muchas ocasiones puede limitarnos, pero disfrutar de la vida, es algo que solo se puede hacer una vez y de una sola manera, “viviendo”.

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¡Viva el Vive Latino!

Texto: Irlanda Paulina Vargas Ruelas  Fotos: Claudia Cruz Barigelli y Jaime Fernández.

En 1998 se llevó a cabo en la Ciudad de México, la inauguración del primer Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino. Mejor conocido solamente como el “Vive Latino”; éste es un proyecto que surgió de la necesidad de brindar a las personas, un espacio diferente, que gracias a la gente y a las bandas, se ha convertido en un gran foro de expresión y en una muy buena oportunidad para talentos emergentes.

Con algunos pros y contras, el evento ha formado parte de las experiencias de millones de mexicanos y extranjeros durante 14 años. Ha brindado a sus asistentes diversas alternativas; en donde géneros como el jazz, el reggae, la música electrónica, el ska y el rock, han convivido bajo un mismo techo levantando un estandarte de tolerancia y unificación.

El evento ha crecido de manera impresionante y se ha caracterizado por mantener un perfil fresco y abierto a todo tipo de posibilidades. La carpa intolerante y la difusión del cine gracias a Ambulante, forman parte ahora de una tradición que año con año cobra vida en el Foro Sol.

La experiencia del Vive Latino comienza desde que se anuncian las posibles bandas participantes. Las fechas especiales para la compra de boletos y la locura por adquirir uno de ellos, se hace cada vez más latente. La difícil decisión de tener que escoger solo un día de diversión, es para muchos algo frecuente y un poco frustrante. Sin embargo, una vez que las taquillas comienzan a funcionar, la invitación al evento se encuentra abierta.

Y aunque siempre la cartelera ha generado controversia, al final todos terminamos recordando que asistir al Vive Latino, no es cualquier cosa. No por nada, las nuevas generaciones se suman a éste movimiento, con la esperanza de vivir un poco en carne propia, lo que les han platicado sus ancestros.

La oportunidad de formar parte de la cultural musical hispanohablante, no tiene edad. Es una manera de gritar al mundo que el talento iberoamericano tiene lo suyo. Y que grandes movimientos culturales pueden ser posibles con la colaboración de las personas y de la gente que se preocupa por realizar eventos de calidad en nuestro país.

Bandas extranjeras como The Mars Volta (2004), Ozomatli (2006), The Magic Numers (2007) , Deftones (2010) o Empire of the Sun (2010). Han sido testigos de lo que se vive en México, cada vez que la fecha para festejar a la música iberoamericana llega.

Los asistentes forman parte de una familia, que baila, canta y ríe junta. Los empujones, la lluvia, las quemaduras por el sol, las alfombras arrancadas y las chicas volando; forman parte de la diversión y de un movimiento que proclama paz y amor por la cultura.

La música es para quien la quiere escuchar, no hace mal de vez en cuando disfrutar de la vida y de nuestro trabajo, dándonos un lujo para poder admirar con nuestros propios ojos, lo que seguramente será años después, una buena experiencia para contar a los nietos.

 

El Fanzine y Coca Cola saben que te interesa cuidar el planeta y es por eso que te quieren regalar un pase doble para el día sábado del Vive Latino. Si quieres ganártelo, deberás de  llevar la mayor cantidad de latas vacías a las oficinas de El Fanzine, para que las podamos reciclar.

¿Cómo será la mecánica?

El día 22 de marzo, El Fanzine estará recibiendo latas de Coca Cola (exclusivamente de Coca Cola) en sus oficinas, desde las 11:00 am hasta las 8 pm.

Las oficinas de El Fanzine se encuentran en:
Porfirio Díaz #133 int. 3
Esquina con Patricio Sanz (del lado opuesto al Parque Hundido).
Col. Del Valle

Las dos personas que más cantidad de latas lleven a las oficinas, serán notificadas el día 23 de marzo entre las 10:00 am y las 11:00 am, para recoger sus boletos en el domicilio de El Fanzine.

Si no vas a ir al Vive Latino o no estás en la Ciudad de México, ¡no te preocupes! sigue la transmisión en vivo desde este Coca Cola TV o usa el hashtag #CocaTV para ver los twitts con respecto al festival. 

¡Suerte!

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 EL REGRESO DE RADIOHEAD A MÉXICO
A finales de 2011 se rumoraba que la conocida banda inglesa Radiohead regresaría a México el día 18 de abril de 2012. Poco después el rumor se confirmó junto con otra fecha: 19 de abril. Las taquillas para la preventa de boletos comenzaron a prepararse y las tarjetas de crédito esperaban ansiosas para deslizarse como mantequilla por las máquinas de cobro.
“¿Todo esto por una banda?” –me decía en mi mente-. Y fue entonces que comencé a recapitular todas las buenas experiencias que en mi corta vida he tenido gracias a su música. Conciertos, experiencias frustradas al intentar sacar algunas de sus canciones en mi guitarra, reuniones con los amigos de antaño, momentos especiales, reuniones conmigo misma. Tristezas.
En abril, miles de personas estarán juntas en el Foro Sol por segunda ocasión, con la única motivación de ver una vez más a una de las bandas más representativas del rock alternativo de los 90’s. El tiempo ha pasado y quizás haya cobrado factura en la cabellera de Phil, el baterista, pero el talento del quinteto de Abingdon se ha mantenido intacto a través de los años, y continúa provocando alborotos tanto en la ciudad de México como en el mundo.
El melódico sonido de la banda nos regresa a aquellas épocas en que la música era creada con calidad. La voz de Thom Yorke, las estridentes guitarras de Jonny Greenwood y los inigualables efectos sonoros provenientes de la colección de pedales del guitarrista secundario Ed son una explosión para los sentidos durante sus conciertos en vivo. Sintetizadores, ondas martenot, antiguas máquinas de percusión, guitarras y bajos “fender” son responsables de una buena parte del estilo de la banda. El virtuosismo de Jonny y el gran talento de Thom salta a la vista en todos y cada uno de sus discos. Es por eso que la venta inmediata de boletos para sus conciertos no es de extrañar.
Radiohead es una banda madura, que ha superado las barreras del tiempo y que ha sabido mantenerse bien posicionada. Vale la pena gastar esos ahorritos que tenemos guardados en nuestro escondite para acudir a uno de los eventos más esperados del año, y escuchar algunos de los mejores éxitos de la banda. Entre sus mejores trabajos se encuentra el EP “My iron lung”, viejas canciones como “Lucky, high & dry” o “Fake plastic trees”, el webcast pre-grabado “Scotch mist” que lanzaron junto con su penúltimo álbum (“In rainbows”, y por supuesto algunos de los sencillos de su último disco “The king of limbs”, como “Lotus Flower”, “Codex” o “Bloom”. ▲
Discografía
1993: Pablo Honey 1994: My Iron Lung EP1995: The Bends 1997: OK Computer2000: Kid A2001: Amnesiac 2003: Hail to the Thief2007: In Rainbow 2011: The King of LimbsDATOS CURIOSOS DE LA BANDA
- Radiohead fue responsable del 12% en ventas de discos de vinilo en 2011.
-La banda visitó México por primera vez para huir de la locura que fue tocar durante la gira del disco “Pablo Honey” en Estados Unidos.
- A Thom le gusta mucho Japón. 
- En los inicios de la banda, durante los conciertos Jonny sólo se paraba a un lado del escenario con su armónica.

EL REGRESO DE RADIOHEAD A MÉXICO

A finales de 2011 se rumoraba que la conocida banda inglesa Radiohead regresaría a México el día 18 de abril de 2012. Poco después el rumor se confirmó junto con otra fecha: 19 de abril. Las taquillas para la preventa de boletos comenzaron a prepararse y las tarjetas de crédito esperaban ansiosas para deslizarse como mantequilla por las máquinas de cobro.


“¿Todo esto por una banda?” –me decía en mi mente-. Y fue entonces que comencé a recapitular todas las buenas experiencias que en mi corta vida he tenido gracias a su música. Conciertos, experiencias frustradas al intentar sacar algunas de sus canciones en mi guitarra, reuniones con los amigos de antaño, momentos especiales, reuniones conmigo misma. Tristezas.


En abril, miles de personas estarán juntas en el Foro Sol por segunda ocasión, con la única motivación de ver una vez más a una de las bandas más representativas del rock alternativo de los 90’s. El tiempo ha pasado y quizás haya cobrado factura en la cabellera de Phil, el baterista, pero el talento del quinteto de Abingdon se ha mantenido intacto a través de los años, y continúa provocando alborotos tanto en la ciudad de México como en el mundo.


El melódico sonido de la banda nos regresa a aquellas épocas en que la música era creada con calidad. La voz de Thom Yorke, las estridentes guitarras de Jonny Greenwood y los inigualables efectos sonoros provenientes de la colección de pedales del guitarrista secundario Ed son una explosión para los sentidos durante sus conciertos en vivo. Sintetizadores, ondas martenot, antiguas máquinas de percusión, guitarras y bajos “fender” son responsables de una buena parte del estilo de la banda. El virtuosismo de Jonny y el gran talento de Thom salta a la vista en todos y cada uno de sus discos. Es por eso que la venta inmediata de boletos para sus conciertos no es de extrañar.

Radiohead es una banda madura, que ha superado las barreras del tiempo y que ha sabido mantenerse bien posicionada. Vale la pena gastar esos ahorritos que tenemos guardados en nuestro escondite para acudir a uno de los eventos más esperados del año, y escuchar algunos de los mejores éxitos de la banda. Entre sus mejores trabajos se encuentra el EP “My iron lung”, viejas canciones como “Lucky, high & dry” o “Fake plastic trees”, el webcast pre-grabado “Scotch mist” que lanzaron junto con su penúltimo álbum (“In rainbows”, y por supuesto algunos de los sencillos de su último disco “The king of limbs”, como “Lotus Flower”, “Codex” o “Bloom”. ▲


Discografía

1993: Pablo Honey 1994: My Iron Lung EP
1995: The Bends 1997: OK Computer
2000: Kid A
2001: Amnesiac 2003: Hail to the Thief
2007: In Rainbow 2011: The King of Limbs

DATOS CURIOSOS DE LA BANDA

- Radiohead fue responsable del 12% en ventas de discos de vinilo en 2011.

-La banda visitó México por primera vez para huir de la locura que fue tocar durante la gira del disco “Pablo Honey” en Estados Unidos.

- A Thom le gusta mucho Japón.

- En los inicios de la banda, durante los conciertos Jonny sólo se paraba a un lado del escenario con su armónica.

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Play that funky music!

Por: Irlanda Paulina Vargas Ruelas//@D_U_M_M_Y_irish   Fotos: Querido Pinguino de Querido Estudio// @queridopin

Apparat, Apparat, Apparat… que buena elección hiciste al decidir que regresarías a México este 2012. ¿Cómo comenzar a describir tu concierto?

Eran ya las 8 de la noche y poca gente se encontraba reunida en el lugar. Me pregunto si las dos horas de espera serán consecuencia del conocimiento previo de la impuntualidad de las personas o simplemente de una cardíaca estrategia por parte de los organizadores del evento.

Después de fumarse un último cigarrillo, la gente comenzó a acomodarse en sus lugares. La banda telonera logró con éxito amenizar el tiempo de espera y fue entonces, que después de concluir su acto, unos lindos pantalones de color lila aparecieron en el escenario.

Al terminar de escuchar la primera canción, comprendí perfectamente el por qué DJ’s o productores como Sascha o Trentemoller; han decido que tocar una guitarra en conjunción con una banda, resulta ser más divertido que tocar de a solapa, en un club, y con audífonos.

El sonido fue impecable y las colaboraciones con Moderat no pudieron faltar. Les grandes marches, Rusty Nails y canciones de su nuevo disco como Candil de la calle, Ash/Black veil, y Song of Los; fueron algunas de las rolas que sonaron durante el concierto.

La presencia de Sascha en el escenario es increíble, el control que emerge sobre su música es sin duda el resultado de arduos años de experiencia. El concepto de la banda prevalece, al igual que ese sonido sucio tan característico de Ring. Conciertos como éste hacen que valga la pena seguir pagando por un boleto, ya que sin duda el día de ayer fue una muy buena experiencia para todos los que asistieron y sobre todo para nuestros oídos.

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“Amor y paz” proclama Fanny Mendelssohn.
Por: Irlanda Paulina Vargas Ruelas /@D_U_M_M_Y_irish    Ilustración: Bryan Gallardo.
Amor y paz es un tema que a menudo solemos relacionar con personajes  como John Lennon, Yoko Ono y bandas legendarias cuyo atractivo principal  solían ser sus largas cabelleras y barbas hirsutas, acompañadas de  vestimentas radicales y de toda una oleada de hippies como seguidores  haciendo alusión al famoso simbolito representativo de esta frase.

Una infinita variedad de colores, olores y sabores se concretaron  durante una de las épocas más reconocidas en la historia de la música.  Pero que pasa si pensamos que esta célebre frase puede brillar de manera  esplendorosa en un contexto completamente diferente. Retrocedamos un  poco – o un mucho – en el tiempo, y hagamos de cuenta que los conciertos al aire libre son sustituidos por grandes salas de  teatros. En las que los asientos en el pasto se trasforman en infinitas  filas de butacas forradas con terciopelo rojo.

La guitarra eléctrica y los sintetizadores son sustituidos por  pesadas teclas de marfil y cuerdas de violín. Las vestimentas pasan de  ser simples telas holgadas y raídas a suntuosos smokings de color blanco  y negro. Los vestidos de las damiselas resaltan la belleza y elegancia  de la época. Las luces se apagan y una brillante melodía comienza a  sonar.

Los delicados dedos de una niña comienzan a tocar el piano. La gente  sorprendida decide escuchar atentamente. Fanny Mendelssohn, compositora  alemana perteneciente al Romanticismo tardío – hermana de Félix  Mendelssohn – comienza a interpretar sus románticas canciones.

Harfners Lied, Sehnsucht, Bergeslust y Ferne; suenan una tras otra.  Que mejor que una mujer para representar todo lo que en ese entonces  significaba el movimiento romántico. Sentimientos destrampados, un  infinito despertar de sensaciones. Facilidad nata para describir miles  de escenas a través de la música. Muchas de las figuras de la primera  mitad del siglo XIX se habían retirado o habían muerto. Este, era su  momento.

Innovaciones en la instrumentación, pasaron de ser algo novedoso a  algo estándar. La suma de estos cambios puede verse en la titánica ola  de sinfonías, conciertos, y poemas sinfónicos que fueron creados.  Escenarios como París, Londres o Italia; sirven para crear toda una gama  de atmósferas que nos permiten respirar cierta paz y armonía.

El amor a una nación, el amor al arte y a la educación esta presente. Y es entonces que despierto y me quedo pensando.  Reafirmo que definitivamente para el amor no existen barreras. No es  necesario encasillar a estos términos en determinados géneros para  darnos cuenta que siempre existirá en toda época una buena razón para  difundir este profundo, bello y tormentoso sentimiento. El amor a uno  mismo y a sus creaciones nos brinda paz. Y porque guardar esas historias  escondidas que tenemos en lo más profundo de nuestro corazón y nuestras  mentes para nosotros mismos. Cuando podemos compartirlo y regalarlo a  los demás.

“Amor y paz” proclama Fanny Mendelssohn.

Por: Irlanda Paulina Vargas Ruelas /@D_U_M_M_Y_irish    Ilustración: Bryan Gallardo.

Amor y paz es un tema que a menudo solemos relacionar con personajes como John Lennon, Yoko Ono y bandas legendarias cuyo atractivo principal solían ser sus largas cabelleras y barbas hirsutas, acompañadas de vestimentas radicales y de toda una oleada de hippies como seguidores haciendo alusión al famoso simbolito representativo de esta frase.

Una infinita variedad de colores, olores y sabores se concretaron durante una de las épocas más reconocidas en la historia de la música. Pero que pasa si pensamos que esta célebre frase puede brillar de manera esplendorosa en un contexto completamente diferente. Retrocedamos un poco – o un mucho – en el tiempo, y hagamos de cuenta que los conciertos al aire libre son sustituidos por grandes salas de teatros. En las que los asientos en el pasto se trasforman en infinitas filas de butacas forradas con terciopelo rojo.

La guitarra eléctrica y los sintetizadores son sustituidos por pesadas teclas de marfil y cuerdas de violín. Las vestimentas pasan de ser simples telas holgadas y raídas a suntuosos smokings de color blanco y negro. Los vestidos de las damiselas resaltan la belleza y elegancia de la época. Las luces se apagan y una brillante melodía comienza a sonar.

Los delicados dedos de una niña comienzan a tocar el piano. La gente sorprendida decide escuchar atentamente. Fanny Mendelssohn, compositora alemana perteneciente al Romanticismo tardío – hermana de Félix Mendelssohn – comienza a interpretar sus románticas canciones.

Harfners Lied, Sehnsucht, Bergeslust y Ferne; suenan una tras otra. Que mejor que una mujer para representar todo lo que en ese entonces significaba el movimiento romántico. Sentimientos destrampados, un infinito despertar de sensaciones. Facilidad nata para describir miles de escenas a través de la música. Muchas de las figuras de la primera mitad del siglo XIX se habían retirado o habían muerto. Este, era su momento.

Innovaciones en la instrumentación, pasaron de ser algo novedoso a algo estándar. La suma de estos cambios puede verse en la titánica ola de sinfonías, conciertos, y poemas sinfónicos que fueron creados. Escenarios como París, Londres o Italia; sirven para crear toda una gama de atmósferas que nos permiten respirar cierta paz y armonía.

El amor a una nación, el amor al arte y a la educación esta presente. Y es entonces que despierto y me quedo pensando. Reafirmo que definitivamente para el amor no existen barreras. No es necesario encasillar a estos términos en determinados géneros para darnos cuenta que siempre existirá en toda época una buena razón para difundir este profundo, bello y tormentoso sentimiento. El amor a uno mismo y a sus creaciones nos brinda paz. Y porque guardar esas historias escondidas que tenemos en lo más profundo de nuestro corazón y nuestras mentes para nosotros mismos. Cuando podemos compartirlo y regalarlo a los demás.

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